Algunos desafíos del 41 FITEI do Porto 2018
Un festival de teatro y danza debe asumir desafíos en lo artístico y ofrecernos la posibilidad de descolocarnos. Asistir a un espectáculo y salir perplejo, con dificultades para explicar aquello que acabamos de ver. Salir de un espectáculo y apenas balbucear algunas opiniones vagas e inseguras, porque la propuesta escénica ha superado nuestro horizonte de expectativas, llevándonos a un juego que no esperábamos.
Más allá del me gusta o no me gusta, están esas piezas que, de manera inexplicable, te atraen y te captan, en su totalidad o solo en algunas de sus partes. Te atraen y te captan y no sabes bien-bien por qué.
A mí, particularmente, me encanta la experiencia de ser atrapado por el juego inédito que propone un espectáculo, desde una estética difícil de definir, y que ese espectáculo me rompa la cabeza. No saber qué decir al respecto.
Agradezco, por tanto, al 41 Festival Internacional de Teatro de Expressão Ibérica, FITEI, do Porto, que me haya dado la oportunidad de asistir a espectáculos que me han roto la cabeza y que me han dejado sin palabras.
He vivido un 41 FITEI 2018 diverso e intenso. Y en este segundo artículo, me propongo el reto de poner palabras y de continuar reflexionando sobre los espectáculos que he podido ver.
En el artículo anterior, titulado “Empoderamientos en el 41 FITEI do Porto”, publicado en esta misma sección de Artezblai, el 18/06/2018, analicé sintéticamente:
LONGE de Raquel S. Noitarder.
CARANGUEJO OVERDRIVE de Marco André Nunes. Aquela CIA. de Rio de Janeiro.
(I)MIGRANTES de Graeme Pulleyen. Teatro do Noroeste de Viana do Castelo.
MB#6 2008-2018 de Miguel Bonneville.
LULU de Nuno M Cardoso. Teatro Nacional São João, TNSJ.
PROVISIONAL FIGURES GREAT YARMOUTH de Marco Martins.
Continúo ahora con:
WALKING WITH KYLIÁN. NEVER STOP SEARCHING de Paulo Ribeiro.
A HOUSE IN ASIA de Agrupación Señor Serrano (Catalunya).
PULMÕES de Luís Araújo. Ao Cabo Teatro.
DE ONDE VENS? de Ana Luena.
BELA_ADORMECIDA de Diana Sousa.
LIBERTERTAÇÃO de André Amálio / Hotel Europa.
WALKING WITH KYLIÁN. NEVER STOP SEARCHING de Paulo Ribeiro, en el Teatro Nacional São João, es una pieza de danza que, el 16 de junio de 2018, veo por segunda vez y sobre la que ya he escrito.
Sí, es la segunda vez que la veo, pero podría volver a verla muchas más veces sin cansarme, porque todo en ella remite a una sensación de ligereza y de belleza dinámicas que no se agotan.
Entre la deliciosa selección musical, suenan campanas e instrumentos de viento metal, incluso la vibración de la superficie de tambores, del mismo modo, el movimiento de los cuerpos también semeja adquirir la delicadeza etérea, que se multiplica en el aire cuando la coreografía se despliega al unísono.
El portentoso equipo, formado por Ana Jezabel, André Cabral (quien, media hora antes, acababa de actuar en Margem de Victor Hugo Pontes, también programado en este 41 FITEI, en el Teatro de Campo Alegre, y sobre el que también he escrito en Artezblai), Miguel Oliveira, Miguel Santos y Teresa Alves da Silva, muestran una gran escucha y una fuerza envuelta en virtuosa sutileza.
Los transportes grupales componen figuras en las que se va alternando la persona que ocupa el centro focal, entre la manipulación del grupo y la propia decisión.
El 3 y el 2 son las combinaciones de bailarines que más parecen predominar y que fluctúan por el espacio dinámico que la coreografía genera, moviendo también nuestra recepción.
La limpieza del movimiento y su trazo nítido, sin acompañamientos expresivos, en la primera parte de la pieza, supone, en cierta medida, el empoderamiento del movimiento por el movimiento y por las sensaciones que de él se pueden desprender.
A partir de la canción que rememora la Revolución cubana, “Hasta siempre Comandante Che Guevara”, la danza comienza a teatralizarse, aparecen sonrisas y otras expresiones faciales, también interjecciones vocales.
Sin embargo, la sensación aérea, en la amplitud de los movimientos de tronco y brazos, con manos abiertas o puños apretados, continúa a expandirse por el espacio.
La teatralidad se incrementa en las carreras por entre la música en la que suenan alarmas y relojes, con manos y brazos que se disparan, hasta rematar la pieza lanzando por el suelo, cada bailarina y cada bailarín, una manzana roja.
A HOUSE IN ASIA, de la Agrupación Señor Serrano (Catalunya), en el Teatro Municipal de Matosinhos, el 16 de junio de 2018.
Esta pieza es una afirmación pop de la capacidad del teatro para absorber el cine, la estética de videojuegos, los muñecos para niñas y niños y, con todo, montar un espectáculo sobre guerras y conquistas de ayer y de hoy.
Desde la simulación del atentado del 11 de Septiembre, hasta las guerras colonizadoras, el collage de referencias icónicas e históricas sirve para generar una especie de parábola sobre la ambición mortífera de las grandes potencias mundiales, con los EEUU como ejemplo paradigmático.
En medio, el leitmotiv de la casa de Osama Bin Laden, en Asia, y sus réplicas para entrenar y ensayar el asalto y eliminación de Gerónimo, nombre en clave que las unidades de élite de las fuerzas armadas de EEUU habían dado a Osama Bin Laden.
En A HOUSE IN ASIA hay un fascinante equilibrio entre la admiración por las creaciones cinematográficas, el western, los indios y vaqueros, la música, y la ironía crítica en los discursos megalómanos e integristas de los presidentes de los EEUU, así como la carrera militar y armamentista.
La Agrupación Señor Serrano sigue afirmando, de manera muy explícita, la esencia del teatro: actores que juegan en el escenario con los juguetes más actuales: dispositivos móviles audiovisuales (Smartphones y tabletas), cámaras de vídeo, al lado de maquetas y muñequitos. La artesanía de lo teatral mezclada con las últimas tecnologías, para generar una narrativa fragmentaria, pero muy fluida y atrayente en su dimensión más plástica.
PULMÕES de Duncan MacMillan, con dirección de Luís Araújo. Producción de Ao Cabo Teatro. Fue presentada en la Sala do Tribunal del Mosteiro de São Bento da Vitória, MSBV, del Teatro Nacional São João, TNSJ. Pude verla el domingo 17 de junio.
PULMÕES es la historia de una pareja heterosexual, de la que se nos dejan compartir aquellos momentos de crisis en los que el diálogo refleja sus inseguridades, sus necesidades más íntimas, difícilmente alcanzadas, al no ser nunca plenamente compartidas y difícilmente comunicables.
Aquí es donde el par Maria Leita y Luís Araújo hacen un trabajo interpretativo sumamente delicado y rico en matices. Los silencios, las actitudes, el ángulo de la mirada, la posición corporal dentro del dispositivo escénico, diseñado por António MV, compuesto de módulos y escaleras de diferentes alturas, que les permite, en algunos pasajes, subir y bajar, permanecer en un ángulo, cambiar de estatus… Todo, en ese hábitat, adquiere una relevancia simbólica y dramática.
Un espacio escénico que es como una isla gris, que recuerda los espacios rítmicos de Gordon Craig. Además de isla, también puede evocar un castillo inexpugnable: el de las relaciones amorosas, en la complejidad de armonizar las necesidades de cada una de las partes.
Ella quiere rematar su tesis doctoral. Él es músico, pero no un músico de éxito que gane mucho dinero. La economía también se mete por el medio de la relación y del proyecto de maternidad y paternidad, que viene a ser el punto de arranque de la pieza.
La idea de tener una hija o un hijo ejerce una presión que produce ciertas peripecias dentro de este drama realista, que busca retratar a las parejas jóvenes alrededor de los 30 años de edad.
Las edades, estética y maneras de la actriz y del actor, son las mismas de los personajes que las acciones verbales nos van dejando conocer en el transcurso de los conflictos que enfrentan.
Unión, separación y reconciliación, con el crecimiento y maduración que las elipsis temporales permiten comprender, trazan el recorrido de esta pareja.
Entre las frases que se dicen: “Está tudo bem. Há pessoas com problemas a sério neste mundo.”
La ironía es otro de los ingredientes. De hecho, parece que una especie de irónico destino une, separa y vuelve a unir a esta pareja.
PULMÕES nos hace respirar el ambiente de las parejas jóvenes actuales que se cuestionan muchas cosas. Al poner el foco en la hipótesis de la maternidad y de la paternidad acaban por tambalearse otros conceptos basales.
DE ONDE VENS? de Ana Luena, en coproducción con el Teatro Municipal do Porto, TMP, fue presentada en el Pequeno Auditório del Rivoli.
El mismo domingo 17 de junio fue cuando asistí a esta pieza alegórica respecto a las migraciones y los desiertos en los que las personas permanecen.
Ana Luena adapta y dirige el texto de Mohammed Dib, con un actor blanco y otro negro, David Pereira Bastos y Alberto Magassela, sobre una plataforma de maderas y huecos, bajo haces de luz que cambian las atmósferas de manera ostensible.
Los dos actores deambulan por el espacio vacío, como el Vladimir y Estragón de Esperando a Godot de Beckett. La comparación a mí me resultó inevitable.
Alusiones a un desierto del que no consiguen salir y ese estatuto de espera, forman parte de un universo semántico que nos puede remitir a la obra citada de Beckett.
“Há quantos dias que estamos aqui?” pregunta el actor negro al actor blanco.
“Sejamos discretos. Fazemos um ar dissimulado”, en referencia a las espectadoras y espectadores que los estamos observando, como quien observa a dos animales en una jaula.
“Onze dias e ninguém apareceu”
“Ficaremos aqui onde estamos e não nos moveremos de aqui.”
“Um espaço nu como a mão. Haverá coisa mais bela?”
“Não é verdade que viemos ata aqui para nos aliviar?”
“Não aconteceu nada e tenho a certeza de que nada acontecerá.”
“A frente deserto. Atrás deserto.”
“Somos hóspedes do deserto e procuramos a porta de entrada que será também a de saída.”
“Já não consigo mexer. Fui fulminado por um excesso de luz.”
Estos fragmentos de texto pueden describir el talante de esta pieza, escenificada desde una geometría de los desplazamientos y simetrías, que trazan el actor negro y el actor blanco, en ese espacio desnudo, vestido de luz.
DE ONDE VENS? podría aproximarse a una concepción abstracta del teatro simbolista, de carácter alegórico y, al mismo tiempo, existencial.
BELA_ADORMECIDA de Diana Sousa, en coproducción con el Teatro Municipal do Porto, TMP, se estrenó en el Pequeno Auditório del Rivoli, el jueves 21 de junio de 2018.
BELA_ADORMECIDA cuenta con la presencia de actores creadores, que actúan como performers: Daniel Macedo Pinto, Diana de Sousa, Eloy Monteiro, Miguel Moreira, Pedro Baptista y Vânia Rovisco. En la dramaturgia Rui Pina Coelho.
BELA_ADORMECIDA nos sitúa alrededor de una instalación plástica, mete a la espectadora y al espectador en el escenario, y nos introduce en una cierta dimensión onírica de textura sintética y artificial.
En esta versión, de matiz perverso, la protagonista ejerce un ritual de empoderamiento: hace que duerme, mientras tiene dispuesta una cámara para grabar a los personajes alegóricos (respecto a las fantasías sexuales y a sus juegos) que vienen a visitarle, como los pretendientes del cuento original.
Pero, finalmente, se despierta y no se marcha con ninguno de sus pretendientes. Se quita la peluca y el maillot que, como una segunda piel, ceñía todo su cuerpo. Se viste las ropas de una mujer actual, emancipada de sueños y dependencias, desconecta la cámara de grabación que tenía escondida entre las frutas del aparador, y sale del escenario. Abandona ese universo plástico, esa atmósfera envolvente y narcótica de sonidos electrónicos y luz de neón. Quedan atrás los cuadros en los que cada uno de los personajes proponía una relación sensual, narcisista o sexual con la durmiente.
BELA_ADORMECIDA, el espectáculo, tiene momentos sorprendentes por su creatividad loca. Yo me enamoré de la comicidad surreal y el erotismo naíf del actor que mastica chicle y explota los globos en la boca. Adoré la manera lúdica de aproximarse a la Bela Adormecida, de estirar el chicle y contactar a través de él con el cuerpo de la Bela Adormecida. El modo cómo establecía distancia para tomar notas en un cuaderno a partir de la observación encantada de la durmiente. Su paródico striptease y su posición, desnudo, a caballo sobre las caderas de la Bela Adormecida, como si él fuese una rana, para seguir jugando con el chicle.
Una propuesta arriesgada y atrevida, ésta de Diana de Sousa.
LIBERTERTAÇÃO de André Amálio / Hotel Europa, nos convocó en el escenario del Teatro de Campo Alegre, el mismo jueves 21 de junio de 2018.
Una pieza que indaga en la actualización del teatro documental, sobre los procesos de descolonización de Portugal, con secuelas bien vivas hoy en día.
LIBERTERTAÇÃO es actuada en escena por André Amálio, Lucilia Raimundo y Nelson Makossa. Un blanco y dos negros. Todo el elenco recupera memorias que tienen vinculación directa con las ex-colonias portuguesas, a través del recuerdo de las madres y de los padres.
La pieza forma parte de una trilogía, junto a PORTUGAL NÃO É UM PAÍS PEQUENO y PASSA-PORTE. Una trilogía que fue presentada como tesis práctica de doctoramiento, después de años de investigación y de recoger los testimonios de personas que vivieron, desde diferentes perspectivas y posiciones, las guerras de liberación o de independencia.
El espectáculo tiene un formato muy aproximado al radiofónico, no solamente por haber un simulacro de estudio de radio en el propio escenario, sino también porque la escucha es prioritaria en esta propuesta: nos hacen escuchar, a través de doblaje, a las personas que habían sido entrevistadas, y también músicas alusivas a los períodos históricos tratados.
El abordaje mediante el procedimiento del doblaje de las voces, con ayuda de auriculares con cable, además de preservar el anonimato de los testigos, permite establecer una diferenciación entre la emisión del testimonio y la expresión, antes o después, de la opinión respecto a esa declaración, así como la descripción del momento y de la persona que cedió su relato de vida.
LIBERTERTAÇÃO también juega con la danza y con los objetos, sobre todo montones de libros, unas escopetas de mentira, hechas con madera y unos tubos, máscaras de lobos, hechas de pasta de papel, sin una voluntad realista, y auriculares colgados en diferentes lugares del espacio.
Otro recurso, que ofrece una plasticidad teatral eficaz, son las proyecciones audiovisuales de fotografías diversas, o la realización distanciada de los personajes del dictador Salazar y del revolucionario y libertador Amílcar Cabral, empleando la proyección de sus caras sobre los vientres desnudos de los actores, mientras ellos doblan sus voces.
LIBERTERTAÇÃO es un ejercicio muy contundente de empoderamiento y liberación, a través de la exposición crítica y de la reflexión sobre momentos que es necesario revisar y revisitar. Un ejercicio teatral capaz de crear complicidad con el público y despertar las conciencias.
Lo más importante, queda por decir. Hay que ir al teatro para comprobarlo.
Afonso Becerra de Becerreá.
P.S. – Otros artículos referidos a espectáculos o artistas que aparecen en éste:
“Empoderamientos en el 41 FITEI do Porto”, publicado el 18 de junio de 2018.
“La orfebrería coreográfica de Paulo Ribeiro Walking with Kylián”, publicado el 3 de diciembre de 2017.
“Danzar desde los márgenes, según Victor Hugo Pontes”, publicado el 7 de mayo de 2018.
“Entre el relato y la performance. O amor dos infelices” (de Ana Luena), publicado el 2 de enero de 2015.
