Nando Llera publica ‘Commedia dell’Arte. Artesanía teatral’, un viaje iniciático al redescubrimiento de la profesión del actor
El libro hace un completo recorrido histórico desde el teatro politeísta hasta la commedia dell’arte
Nando Llera firma el libro ‘Commedia dell’Arte. Artesanía teatral‘ (Editorial Artezblai), que pretende ser un viaje iniciático al redescubrimiento de la profesión del actor durante los siglos de su función cultural, política y social.
Con prólogo de Carlo Boso, el libro de Llera recuerda cómo el teatro politeísta se transformó poco a poco en farsa medieval, en teatro religioso, en teatro profano y finalmente en Commedia dell’Arte, es decir, en el teatro de las máscaras. Figura central de esta original forma de teatro es la mujer, clave de una acción dramática tendida a garantizar la legitimidad del matrimonio de amor, contrapuesto al matrimonio de interés que justificaba entonces en Europa la violencia física y moral sufrida por las futuras esposas.
Doctor en Ciencias de la Educación por la Universidad de Santiago de Compostela y profesor de Interpretación en la Escola Superior de Arte Dramática de Galicia, Nando Llera (A Coruña, 1975) es, además, actor, director, fundador de la Asociación Galega de Commedia dell’Arte “Indignati” y Payaso de Hospital en Galiclown.
¿Cuál fue el primer motivo que te llevó a escribir este libro?
Tras conocer y profundizar en la Commedia dell’Arte durante mis estudios en la ESAD de Málaga, comencé a buscar estrategias para poder continuar formándome de manera autónoma. Al reflexionar sobre las técnicas que aprendí en la carrera, comprendí que el ejercicio de este tipo de teatro me servía para mantener activos muchos de los elementos técnicos fundamentales del oficio actoral, como son la improvisación, la construcción física y vocal de diferentes personajes, el canto o la acrobacia. Comencé así a investigar y a viajar por el mundo al encuentro de los maestros de referencia y me di cuenta de que al cabo del tiempo manejaba un volumen importante de información y que todo esto me había llevado a hacerme algunas preguntas: ¿por qué razón no se fomenta esta práctica en las Escuelas de Arte Dramático? ¿Por qué se le presta tan poca atención desde los entornos profesionales? Para dar respuesta a estas y otras preguntas me lancé a la ardua tarea de realizar mi tesis doctoral en la Universidad de Santiago de Compostela, titulada “La didáctica de la Commedia dell’Arte: análisis de su relevancia en la formación actoral”. Al acabar, reestructuré, resumí y adapté la primera parte para elaborar el texto de este libro.
«Es un teatro que habla de las diferencias sociales entre clases que continuamos presenciando y sufriendo»
¿Qué importancia tienen las técnicas de la Commedia dell’Arte en el teatro actual?
Hoy en día, las artes escénicas han superado la etapa de las “fusiones” para convertirse en experiencias interdisciplinares. Bajo mi punto de vista, la interpretación en el teatro actual exige el dominio de todo tipo de herramientas que ya no caben en los marcos de las especialidades en que se divide el estudio de la interpretación en las Esads, donde aún es frecuente el obsoleto debate sobre si los mimos pueden o no pueden hablar o si los intérpretes textuales pueden hacer acrobacias.
El contexto educativo que ofrece la Commedia dell’Arte nos lleva directamente hacia el teatro de hoy. Además del trabajo integral de interpretación, se trabaja con herramientas que nos acercan más a Meyerhold, Lecoq, Brecht o incluso a Stanislavski que al teatro del Renacimiento. Como desarrollo ampliamente en el libro, en la actualidad no se hace esa commedia renacentista de Isabella Andreini o Flaminio Scala. Aquella desapareció en el tiempo y es difícil adivinar cómo era exactamente. Lo que trabajamos en la actualidad es una reconstrucción idealizada de aquello, a quien Giovanni Poli bautizó como Neo-Commedia dell’Arte y que es producto de un “mito” creado por los renovadores del teatro del siglo XX, entre los que destacan Gordon Craig, Jacques Copeau o el propio Meyerhold. Cómo no, la aportación de Giorgio Strehler ha servido como modelo a compañías y directores de todo el mundo, que se inspiran en el maravilloso ‘Arlecchino servitore dei due padroni‘, validando así este espectáculo como el estándar de referencia. A pesar de esto, cómo no, existen tantas commedias válidas como comediantes, en un teatro que está en continuo desarrollo.
¿Es una manera finalista de hacer teatro o es un suplemento formativo?
En mi trabajo me centro en su relevancia en la formación actoral, aunque entiendo que la fórmula es totalmente aplicable para la creación escénica. El grupo comienza a trabajar preguntándose por su “ser estético” y planteándose su identidad cómica. Desde este impulso creativo se construyen personajes tipo, se exploran sus relaciones, sus motivaciones y sus formas de reaccionar a los estímulos más básicos. De ahí, nacen amistades y enemistades y, por tanto, surgen y se desarrollan los primeros conflictos. Entonces, comienza la improvisación que nos lleva a una forma totalmente orgánica de escritura activa en escena. Si suprimimos los rasgos estéticos de la Commedia dell’Arte, estamos ante una fórmula perfectamente válida para construir las bases de cualquier tipo de dramaturgia.
En el libro te refieres casi exclusivamente al trabajo actoral, pero ¿existen conceptos aplicables a la dramaturgia o la puesta en escena?
Efectivamente, en el libro explico cómo se construye un espectáculo de estas características en todas sus dimensiones, desde cómo se llega a elaborar el texto hasta los elementos más tradicionales del espacio escénico, el espacio sonoro y fundamentalmente, una visión de la evolución histórica del oficio actoral que creo que puede resultar muy inspiradora.
¿Tendría cabida hoy un espectáculo puro de la Commedia dell’Arte?
De hecho, desde el 24 de julio del año 1947, fecha en que se estrenó el ‘Arlecchino servitore dei due padroni’ del Piccolo Teatro de Milán, este espectáculo no ha dejado de representarse, convirtiéndose así en el espectáculo más lóngevo de la historia. Más allá de esta anécdota, no debemos obviar que es un teatro que habla de las diferencias sociales entre clases, que fue creado para sonrojar a la sociedad y mostrarle sus vergüenzas desde la risa. Un teatro vigente por la cosmovisión en la configuración de sus personajes desfigurados y sus dramaturgias universales, construido para denunciar las veleidades de un patriarcado aberrante, que continuamos presenciando y sufriendo ahora mismo. Por todo esto, estamos ante un teatro eminentemente político, muy necesario en un momento histórico tan crítico y convulso como el que vivimos.
¿A quién crees que puede interesar tu libro?
Considero que puede resultar muy útil para docentes y discentes de artes escénicas de cualquier disciplina o especialidad, ya que se trata de una guía que sitúa y desmitifica esa visión incluso mística, de lo que en realidad es, sencillamente, la historia del teatro profesional. También creo que puede satisfacer la curiosidad del público no especializado, ya que, mediante una lectura amena y sencilla, retrata un original recorrido por la historia desde la mirada del gremio artesanal del teatro.
Descubre este libro en la Librería Artezblai.
