El Centro de Artesanía de las Artes Escénicas de Madrid que dirige la compañía Residui Teatro plantea una oferta formativa de teatro, danza y clown con maestros internacionales con el ciclo ‘Aprender con los maestros’ que se desarrolla hasta mes de marzo.
El ciclo «Aprender de los maestros» tiene como objetivo realizar talleres monográficos impartidos por maestros llegados de diversas partes del mundo con el fin de ofrecer una propuesta formativa rica, especializada y finalizada a procurar herramientas profesionales a todos aquellos que estén interesados en las artes escénicas.
El ciclo dió comienzo con el curso impartido por Maria Porter del 19 al 31 de enero y continúa con que imparte Raul Iaiza de Argentina los días 25 y 26 de enero y 22 y 23 de febrero, Vladimir Olshansky del 30 de enero al 6 de febrero, Angel Simón los días 8 y 9 y 15 y 16 de febero; Keiin Yoshimura (Japón) 22 y23 de febrero y Mercedes Hernández (México) 1 y 2 de Marzo.
Los cursos son los siguientes:
«El Astillero» 25-26 enero 2014 / 22-23 febrero
Residui Teatro y Regula contra Regulam Teatro presentan «El Astillero», laboratorio permanente de entrenamiento del Arte del Actor dirigido por Raul Iaiza, director, pedagogo y entrenador de actores. «El Astillero» es un espacio de entrenamiento, práctica y exploración permanente, que se concentra regularmente un fin de semana al mes. Pueden participar al laboratorio actores, bailarines y personas interesadas en un trabajo sobre sí mismos a través del entrenamiento teatral. «El Astillero» es un espacio donde se cultiva una práctica directamente conectada con el arte teatral y al mismo tiempo relacionada con ese desafío sutil, personal, profundo de cada uno de nosotros: una cita con nosotros mismos y con el cuerpo como territorio misterioso y concreto.
Raul Iaiza (Argentina). Director y pedagogo, desde el 2000 hasta el 2011 es asistente de dirección de Eugenio Barba (Odin Teatret) en las producciones : «Sal» (2002), «El Sueño de Andersen» (2004), «Don Juan en el infierno» (2006) y «La Vida Crónica» (2011). Hasta el 2010 es alumno directo de Torgeir Wethal, actor y fundador del Odin Teatret; con el apoyo precioso de su maetsro crea FUGA SUL TRAINIG, estudio y reflexion sobre el entrenamiento y sobre como se entrena quien tiene que entrenar a su vez los actores.
Desde el 2007, es responsable de Regula contra Regulam, agrupación que colabora establemente con el Grotowski Institute (Polonia). Desde diciembre 2012 empieza el proceso de creacion de Ur faust, una co-producida de Regula contra Regulam Teatro y Residui Tetaro.
«Técnica del Clown -Actor» del 30 de enero al 6 de febrero.
Vladimir Olshansky vuelve a Madrid a presentar su metodo, una vision para la vida y la escena que ha cambiado la vida de muchos clowns en el Mundo. Durante el taller monografico se enfrentaran los siguentes temas:
– El arte del Clown: sus orígenes y su empleo en el proceso creativo personal
– Descubrir su propia creatividad
– La comedia física: lenguaje del cuerpo y emociones
– Estructura del Clown: Las cinco fases del trabajo
– Los cuatro centros del cuerpo humano: Mental, Físico, Intelectual y Emocional
– La improvisación y su empleo: trabajo sobre el impulso
– Los principios del trabajo con un objeto
– Trabajo individual
– Desarrollo de la escucha: la comunicación con la pareja
– Como montar una rutina personal
– El sentido del ser cómico
– Técnicas: Slapstick, Bufonada, Excéntrica, etc
– Qué significa el Conflicto Cómico y como crearlo
– Tres tipos de carácter del clown: cara blanca, augusto y hobo.
-Creación del carácter del propio clown
-Preparación de la actuación final
-Muestra final abierta al público el último día de taller
Vladimir Olshansky (Rusia: Licenciado en la Escuela Nacional de Circo y Teatro de Variedad de Moscú, Clown del Cirque du Soleil, Fundador con Slava Polunin de Grupo Clown Lizidei, Papel principal en amarillo en «Slava Snow Show» de Slava Polunin, Director Artístico de Soccorso Clown, PREMIO Raúl Wallemberg Humanitarian, Nueva York, EE.UU.; PREMIO Michelangelo, Florencia – Italia, PREMIO mejor espectáculo y artista del Entertainment Festival de Moscú, Rusia.
«Taller de mascara y coro» 8-9/15-16 de febrero
La libertad y el rigor son dos principios elementales del juego dramático. Sin ellos no hay teatro. Desde sus inicios en Grecia disponemos y hablamos de máscaras y coros, como herencia del mito que ha venido transformándose, mecanismos indispensables para descubrir y experimentardesde dentro su poderío crítico y festivo. El objetivo fundamental del taller es ofrecer unas bases técnicas para comprender en movimiento el valor de la presencia en escena, la memoria, la estructura, la imaginación y el sentido del juego. Esta experiencia se basa en la doble vía que, como mínimo, dibuja todo recorrido: ofrecer y recibir, accionar y reaccionar, presencia y desequilibrio, vida y doble, fortaleza y fragilidad, en fin, movimiento y permanencia. Avanzaremos en la atención y el cuidado del espacio y del movimiento, de la palabra rítmica y de las imágenes comunes en su transformación. El taller finalizará con la presentación de las partituras compuestas por los participantes que constituyan matrices dramáticas y que puedan ser desarrolladas y ofrecidas al público de manera profesional.
Ángel Simón (España)
Actor, director, dramaturgo y profesor de teatro aparece en el teatro profesional en 1999. Se diploma en el Escuela de Teatro de Mª del Mar Navarro y Andrés Hernández, en 2000, siguiendo la pedagogía de Lecoq y el entrenamiento vocal de Roy Hart, elementos del Odin Teatret y Grotowski. Allí descubre especial interés por el trabajo coral, la escritura escénica desde las calidades físicas y los universos de la máscara. En 2004 conoce a Monika Pagneux, estudiando con ella anualmente hasta el día de hoy, y siendo invitado a participar en los Cursos Internacionales de Pedagogía para el Teatro, en Barcelona (2007-2013). Entre tanto, continúa su aprendizaje con diversos profesionales de la pedagogía como Alejandro Tosatti (El movimiento desde dentro), Will Keen (Shakespeare: la palabra como acción), Thomas Rascher (El mundo de la máscara de la Familie Flöz), Serge Poncelet (La máscara balinesa) o Graham Dixon (La técnica de M. Chéjov). Ha venido trabajando en los grupos MU Teatro y Cía. Lumière Fugitive, de los que es miembro fundador, y colaborando también con otras compañías como Théâtre Sans Frontières (UK) o Ultramarinos de Lucas. Ha presentado piezas de Beckett, Bernhard, Bulgákov, Cervantes, Chéjov, Dürrenmatt, Lorca y Harold Pinter, y llevado a los escenarios sus propias composiciones. Cuando en el 2005 funda con Xela Marx su propio grupo de investigación, MU Teatro, se inicia una experiencia de intercambio que lo lleva a viajar por España, Portugal, Brasil, Cuba, Francia, Bélgica y Gran Bretaña con diferentes proyectos: MU Cero (obras de F. Dürrenmatt), Mu 2 (Teatro Radiofónico), Los Griegos (Mito y tragedia) y La Barraca Subterránea (Teatro de Simios Parlantes). Ha escrito, interpretado y dirigido o codirigido las obras de Mu Teatro (Dos Kotos, Un sol negro, El beso, De la conmovedora intimidad,…), de Ultramarinos de Lucas (Como el amor miente) y adaptado textos de clásicos como Cervantes (La derrota del Quijote), Bulgákov (Una historia verídica ), Dürrenmatt (La gran oportunidad) y Beckett (Entre Silencios). Como profesor de teatro, bajo la inspiración pedagógica de Monika Pagneux, ha impartido clases en España, Portugal, Gran Bretaña y Cuba. Busca en la figura universal del errante o solitario (El Héroe, El Sabio, El Loco, Trickster o Payaso), en diferentes latitudes y tiempos, un nexo intensificado entre el poderío crítico y el disfrute festivo, matriz de toda experiencia teatral, confrontando su acción con el trabajo de la máscara y el juego coral, dos pilares dramáticos. En la actualidad estudia los textos de los dramaturgos griegos en relación con los mitos fundacionales del teatro y la poesía arcaica, escribe Vértigo para el proyecto internacional Une Lumière Fugitive y, desde junio, presenta el espectáculo La Farmacia de A. Chejov.
«Wa no Kokoro : danza teatro Kamigatamai» 22-23 de febrero
Kamigata-mai nació y se desarrolló en la región de Japón, Kamigata (Kyoto-Osaka) en el Siglo XVI. Está basado en los tradicionales Noh y Kyogen y toma algunos de los elementos del Bunraku. Mientras que el Noh, el Kyogen y el Bunraku suelen ser interpretados por hombres, la danza de Kamigata-mai es interpretada fundamentalmente por las mujeres
Keiin Yoshimura: Directora, intérprete y coreógrafa de la danza Kamigata-Mai. Es directora en Japón del Yoshimura Keiin Kamigata-mai Studio y de Kamigatamaitomonokai. A los cinco años, Keiin comenzó a formarse en el Kabuki y el piano clásico. En 1974, se graduó de la Universidad de Música Musashino. Ha hecho Kamigata-mai con Yukio Yoshimura y Kisho Yoshimura y Teatro Noh con el gran maestro Hideo Kanze y con Izumi Mikawa (uno de los tesoros nacionales vivientes de Japón). Además practica las artes marciales: Kendo y Kyudo. En 2000, empezó el programa de intercambio artístico entre Japón y la India y desde 2011 es una Sironami Yoga (Maestra de Yoga) y maestra de Motoyama Merdien (ejercicios de la práctica del Ki).
«Narración Oral» 1 y 2 de marzo
En este taller trabajaremos a partir de la palabra. Exploraremos diversas formas de contar una historia; propia, de la tradición oral o de la literatura universal. Buscaremos la sencillez y la economía de recursos como aspiración escénica. Intentaremos comunicarnos con el público de manera efectiva, lúdica y empática; es decir aprenderemos a contar historias en espacios no convencionales, para públicos insospechados y en condiciones no siempre favorables; confiando en que la memoria ancestral acudirá para cobijarnos, pues esencialmente estamos hechos de palabras. Trabajaremos a partir de una premisa: contar «con» el público, no «para» el público.
Durante cada una de las sesiones trabajemos a partir del entrenamiento corporal y vocal; de la escritura de recuerdos; de la lectura de textos y del montaje de las historias.
Mercedes Hernández (México)
Actriz y cuentera mexicana. Su carrera profesional inició hace 15 años; a lo largo de este tiempo se ha dedicado al teatro y el cine; sin embargo, se ha especializado en la narración oral y el cabaret. Actualmente es una de las narradoras orales mexicanas mejor posicionadas en México y con mayor presencia internacional. Ha mostrado sus espectáculos en Venezuela, Colombia, Ecuador, Cuba, Costa Rica, España y Bélgica.
Ha recibido en dos ocasiones -2005 y 2010- la beca que otorga el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes de su país, a la creación artística en narración oral. En cine destaca por su participación en El Violín. En televisión por su actuación en Capadocia, serie producida para HBO. En enero de 2011 recibió el premio Villanueva, que otorga la crítica especializada, en la Habana, Cuba; por su espectáculo Murmullos en el Páramo.
En febrero de 2012 fue finalista en el concurso Cuento en Corto que lleva a cabo la Red Internacional de Cuentacuentos.
